Comment créer une bande-son pour un jeu vidéo ?
Guide complet pour débutants
Comprendre le rôle de la musique dans les jeux vidéo
La musique est un élément fondamental dans l’univers du jeu vidéo, influençant directement l’expérience du joueur.
Les compositeurs et sound designers doivent maîtriser différentes techniques et outils afin de créer une ambiance sonore cohérente et immersive. La musique ne se contente pas d’accompagner l’action ; elle participe à la narration, stimule les réactions émotionnelles et peut même influencer le gameplay.
L’impact de la musique sur l’immersion du joueur
Que ce soit pour amplifier l’émotion d’une scène ou pour guider subtilement le joueur dans son aventure, une bande-son bien conçue peut transformer un jeu moyen en une expérience inoubliable.
Une bande-son bien conçue peut transformer instantanément l’expérience du joueur, créant une atmosphère de tension, de tristesse ou d’euphorie. Elle fait partie intégrante du game design et ne doit jamais être considérée comme un simple ajout sonore.
Alors qu’au cinéma, la musique enrichit l’expérience des spectateurs pour une durée d’environ deux heures, dans les jeux vidéo, elle le fera sur des dizaines et des dizaines d’heures. Elle devient de ce fait un marqueur émotionnel de premier ordre, laissant son empreinte sensorielle au plus profond des souvenirs des joueurs.
Les différents types de musique utilisés dans les jeux vidéo
Les jeux vidéo utilisent une grande variété de styles musicaux, en fonction de leur univers et de leur gameplay :
- Musique d’ambiance (underscore) ou de fond (BGM) : elle pose le ton du jeu et crée une atmosphère immersive
- Musique thématique : ce sont des mélodies qui marquent les moments forts du jeu, en décrivant situations, lieux ou personnages et restent gravées dans la mémoire des joueurs
Les compositeurs utilisent plusieurs techniques pour enrichir la bande-son :
- Musique adaptative (également appelée interactive ou dynamique) : elle réagit en temps réel aux actions du joueur en utilisant les approches horizontales ou verticales.
- Boucles musicales : elles permettent de prolonger une ambiance musicale sans rupture sonore (à placer au dessus de musique adaptative).
- Musique linéaire : une musique sur laquelle les joueurs n’ont aucune prise comme au cinéma (exemple, la musique présente lors d’une séquence cinématique). Elle se compose parfois à l’image.
Les étapes pour composer une bande-son de jeu vidéo
Créer une bande-son de jeu vidéo est un processus complexe qui demande une approche méthodique et une collaboration étroite avec l’équipe de développement.
Analyse du jeu et de son univers
Avant de composer, il est essentiel d’étudier l’univers du jeu.
Comprendre son ton, son ambiance et ses personnages permet de créer une musique qui renforce l’expérience narrative et immersive. Cette analyse inclut l’étude du scénario, des visuels et du gameplay, et aussi, de la Direction Artistique générale qui fixera les directions artistiques visuelles et sonores.
Choix des styles musicaux, instruments et des thèmes
Le compositeur doit sélectionner un style et des instruments en accord avec l’univers du jeu. Par exemple, un jeu futuriste peut préférer un style électro, des synthétiseurs et des sons électroniques, tandis qu’un RPG médiéval pourrait utiliser un style orchestral ou épique, et des instruments classiques ou médiévaux comme des cordes pincées ou des flûtes.
Cependant rien n’est figé, et c’est avant tout le projet et sa direction artistique qui dictent styles et instrumentation. Il n’est pas rare que des jeux brisent ces clichés en proposant une bande-son électro/rock pour des jeux dans un univers fantastique ou médiéval (comme le font souvent les RPG Japonais).
Techniques de composition et d’arrangement
L’orchestration et le mixage sont des étapes cruciales. Le compositeur jeux vidéo doit maîtriser :
- La compréhension de la direction artistique globale et du brief sonore
- La création de concepts musicaux et l’utilisation de temps tracks ou de “placeholders” (qui seront remplacés par les compositions définitives)
- La création de boucles musicales fluides
- La composition de segments interchangeables pour une musique interactive
- L’utilisation de layers pour une adaptation dynamique
- L’intégration et le paramétrage de ces éléments dans le moteur audio
Outils et logiciels pour la création musicale de jeux vidéo
Les stations audionumériques (DAW) recommandées
Parmi les DAW les plus utilisés dans l’industrie, on retrouve :
- Reaper
- Pro Tools
- Ableton Live
- Cubase
- Pro Tools
Ces outils permettent aux compositeurs de créer des compositions musicales
Plugins et bibliothèques de sons essentiels
Samplers et instruments virtuels comme Kontakt, permettent d’enrichir la palette du compositeur. Il dispose d’autant “d’instrumentistes” que de patchs, comme le fait un chef d’orchestre avec ses musiciens. De nombreuses bibliothèques de sons offrent des instruments virtuels et des effets sonores synthétiques (basés sur la synthèse) ou réalistes (basés sur le sampling) pour enrichir les compositions.
Dans certains cas des bandes-son sont rejouées par un orchestre symphonique et intégrées dans le jeu.
Intégration dans les moteurs de audios et les moteurs de jeux
En collaboration avec les sound designers et les développeurs, les éléments sonores sont intégrés dans le moteur audio (Wwise, Fmod) ou directement dans les moteurs de jeu (Unity ou Unreal Engine pour les plus connus).
Il existe également des moteurs propriétaires, développés en interne par les studios de jeux vidéo.
L’IA au service du compositeur
L’intelligence artificielle (IA) est une aide à la création musicale, notamment en proposant des comportement instrumentaux de plus en plus réalistes ou en faisant gagner en rapidité lors des étapes de concept, mais le rôle du compositeur reste irremplaçable.
Les compositeurs jeux vidéo apportent une dimension émotionnelle essentielle à la musique, en créant des ambiances uniques qui accompagnent l’histoire du jeu.
L’outil IA devient un partenaire créatif qui aide à gagner du temps et à explorer de nouvelles pistes, mais elle ne peut pas remplacer l’intuition, la sensibilité et la vision artistique d’un compositeur.
La création de la bande-son doit se faire en équipe
La création d’une bande-son de jeu vidéo est rarement un travail solitaire. Elle implique une collaboration étroite avec les développeurs de jeux, les sound designers et leurs audio directors, les music supervisors et les testeurs de jeu.
La bande-son doit être synchronisée avec le gameplay
Une bonne bande-son doit s’intégrer parfaitement au gameplay. Pour cela, le compositeur doit travailler avec les sound designers et les level designers afin d’assurer une synchronisation parfaite entre la musique et les actions du joueur grâce au travail d’intégration.
Tester le jeu pour améliorer la bande-son
Les tests sont indispensables pour ajuster la bande-son et optimiser son impact. Des sessions de playtest permettent de détecter les incohérences sonores et d’améliorer l’immersion.
Étude de cas ISART : bandes-son de jeux vidéo réussies
Isart Digital est l’une des seules école à proposer une formation à la fois en musique et en sound design, à l’intersection des cursus cinéma 3D et jeux vidéo
À ISART DIGITAL, l’école de jeu vidéo, les étudiants ont l’opportunité unique de travailler sur des projets de fin d’études en collaboration avec les autres disciplines de la production de jeux vidéo, créant ainsi des projets inter-cursus.
Les étudiants ne se contentent pas de travailler dans leur spécialité : ils interagissent avec des étudiants de différents métiers du jeu vidéo : game designers, développeurs, artistes, scénaristes, et bien sûr, music & sound designers.
Cela permet aux futurs music & sound designers de s’impliquer dans des projets complexes où ils doivent comprendre et s’adapter aux besoins des autres formations jeux vidéo pour créer une expérience de jeu cohérente. Cette approche inter-cursus favorise une compréhension globale de la production de jeux vidéo et prépare les étudiants à travailler dans des équipes pluridisciplinaires, tout en perfectionnant leur spécialisation.
Les projets de fin d’études à ISART DIGITAL sont ainsi une excellente opportunité pour les étudiants de mettre en pratique leur savoir-faire dans un environnement collaboratif, tout en créant des jeux innovants et professionnels.
Exemple 1 : VALFREYJA
Dans Valfreyja, la musique occupe une place centrale, évoluant au rythme du gameplay. Inspirée par la drum & bass, elle s’adapte à la vitesse du joueur et aux différentes phases de jeu. Déclinée en plusieurs variations, elle intègre des influences mythologiques nordiques, renforçant l’immersion.
Le design sonore, futuriste et percutant, puise dans l’esthétique science-fiction. Une attention particulière a été portée aux sons de modem, ajoutant une touche technologique distinctive à l’univers du jeu.
👉 Découvrez le projet de fin d’études
👉 Découvrez la bande son du projet de fin détudes sur le Soundcloud d’ISART
Exemple 2 : SYMPHONIA
Dans Symphonia, la musique est un élément central du gameplay, puisque l’on interprète un personnage violoniste.
Le choix des instruments à cordes s’harmonise parfaitement avec l’univers du jeu.
L’ambiance sonore évolue au fil de la progression, offrant une expérience immersive et émotionnelle unique.
👉 Découvrez le projet de fin d’études et sa version commercialisée (sur steam par exemple)
👉 Découvrez la bande son du projet de fin détudes sur le Soundcloud d’ISART
Intégrer ISART Digital pour faire de la création de bande-son son métier
Pour ceux qui souhaitent se professionnaliser dans la composition musicale pour jeux vidéo, la formation en Music & Sound Design d’ISART est un atout.
L’école de jeux vidéo propose un programme permettant d’acquérir les compétences techniques et artistiques attendues, pour créer des expériences sonores inoubliables.
